Выставки работ Энди Уорхола уже не раз случались в России: первая, «Энди Уорхол. Жизнь и творчество», состоялась в 2001 году и проходила в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Тогда к нам были привезены более 60 работ из собрания музея Энди Уорхола в Питсбурге (он располагает крупнейшей в мире коллекцией – более 900 картин, 1500 рисунков, а также гравюры, фильмы и некоторые другие архивные единицы). Вторая – «Энди Уорхол: художник современной жизни» в 2006 году в Третьяковской галерее. И, наконец, последняя, «Я, Энди Уорхол», проходившая в Новой Третьяковке в 2019 году и породившая множество споров на тему оригинальности представленных работ.

В этот раз организаторы выставки, Artsolus Foundation, предлагают зрителям не только увидеть вживую оригинальные работы звезды поп-арты, но и познакомиться с русскими художниками, создававшими работы, вдохновившись эпохой общества потребления в Америке, персоной Энди Уорхола, и, конечно же, сравнивая это с происходящим в то время в России и рефлексируя. Как это часто бывает в русском искусстве, рассуждения на тему не обошлись без хорошей порции иронии и сарказма.

Годы творчества Энди Уорхола (6 августа 1928 — 22 февраля 1987 года) — псевдоним американца с славянскими корнями Эндрю Вархола, пришлись на период становления общества потребления в США. Простым горожанам в начале из газет, журналов и билбордов, а позднее и с экранов телевизоров рассказывали о возможности каждому стать богатым и знаменитым, о легкости исполнения Американской мечты. В творчестве Энди Уорхола отражалось общество потребления, не зря он говорил о себе «Я – зеркало». Да и сам он, впрочем, был тем самым примером воплощения Американской мечты – сын бедных иммигрантов-руссинов из села Микова у Стропкова на северо-востоке современной Словакии, ставший легендой и королём поп-арта.

Место для проведения выставки выбрано как нельзя более удачно: нынешний Севкабель Порт – бывший завод по производству кабельно-проводниковой продукции —  погружает нас в атмосферу знаменитой серебряной «Фабрики» Энди Уорхола, которая являлась кузницей звёзд и прибежищем богемы. Воссоздавая интерьеры «Фабрики», стены завода покрыли серебряной плёнкой и блёстками.

В открывающем зале представлены экспонаты, покрывающие практически все области деятельности artist’a Энди Уорхола: оригинальные обложки альбомов таких групп как The Rolling Stones (редкий экземпляр – на обложке помещена небольшая молния, которую позднее сняли – царапала пластинку), The Velvet Underground, обложки Энди Уорхола для Count Basie и Diana Ross, несколько экземпляров Interview – журнала, созданного Уорхолом в 1969 году и шелкографии – пожалуй, самый тиражируемый во всех смыслах этого слова продукт творчества Уорхола. Но признание Энди Уорхол заслужил не сразу. 

В зале, обитом розовым мехом, — дань нью-йоркской богеме, расположились несколько иллюстраций: из книги «25 котов по имени Сэм и одна голубая кошечка» («25 cats name Sam and one blue pussy») и «В глубине моего сада» («In the bottom of my garden») – на мой взгляд, одни из самых тонких работ художника. Написанные в 1954 и 1956 год соответственно, они относятся к тому периоду жизни Уорхола, когда он ещё не был знаменит. Иллюстрации из книги «25 кото по имени Сэм…» подписывала его мама, Юлия Уорхола, с которой художник был особенно близок. В детстве он много болел, поэтому часто был прикован к постели. Именно иллюстрации принесли Уорхолу известность. С 1945 по 1949 год он обучался графическому дизайну в Технологическом институте Карнеги. По окончании института отправился в Нью-Йорк, где выполнял рекламу для таких известных глянцевых журналов как Vogue, Glamour и Harper’s Bazaar. Он создавал коммерческие изображения туфель, духов и предметов галантереи. Его работы пользовались большим успехом, талант Уорхола признавали, и он решил не ограничиваться карьерой иллюстратора. Энди Уорхол начинает искать свой фирменный стиль в творчестве – начав с комиксов, которые в скором времени он бросает, поскольку эта ниша уже занята была Роем Лихтенштейном, к началу 1960-х он находит себя в другом жанре.

Зал «Я-бренд», встречающий нас портретом художника, слово одиноко висящей иконой на стене в храме, посвящен периоду становления я-бренда будущего короля поп-арта. Он создавал свой бренд по частям – сначала парик – у художника начали рано выпадать волосы, он был вынужден им воспользоваться, затем узнаваемый черный смокинг. У Энди было хорошее чувство юмора, и в какой-то момент он стал тиражировать себя подобно своим шелкографиям – любил отправлять своих двойников, одетых в его парик и костюм, на разных мероприятия, так что никогда не было известно заранее, на каком из событий был настоящий Энди Уорхол. Париков Энди Уорхола хватило на целую выставку — в 2020 году такая проходила в Tate Modern в Лондоне.

В этом зале мы впервые знакомимся с работами русских художников – здесь и Олег Кулик, и Дмитрий Пригов, и Александр Косолапов, и Владислав Мамышев-Монро. Последний предстает перед нами в своём излюбленном образе Мерлин Монро, в нём мы его ещё не раз встретим на экспозиции. Русские художники вглядывались в себя, и пытались так же, как и Уорхол, понять кто они, создать своё альтер-эго или же искать себя через отрицание, как это делает Юрий Альберт в серии «Я не».

В данном проекте художник размышлял над ролью и местом художника в истории искусств. В серии так же есть работы «Я не Вадим Захаров» и «Я не Джозеф Кошут», но на выставке представлена лишь одна. Принцип отбора сам художник объяснял так: «Отбирал я художников по двум критериям: важность этого художника для меня лично и/или лёгкая воспроизводимость и узнаваемость стиля. Энди Уорхол подходит под оба критерия». Помимо работ признанных художников есть на выставке и работы молодых. Так, студенты Тер-Оганьяна Ната Янчур, Эдуард Зимовцев и Кемал Тарба в своей работе «All stars» создали созвездия из аватаров фейсбука знаменитых и совсем ещё неизвестных русских деятелей искусства, назвав всех одинаково звёздами, подобно Энди Уорхолу, который называл звёздами участников своих проектов и просто всех гостей Фабрики, некоторые из которых действительно со временем становились этими самыми звёздами.

В зале «Шопинг» появляются самые знаменитые образы, связанные с Энди Уорхолом – банка супа Кэмпбелл и коробки Brillo. Рэдимейды Уорхола, вслед за редимейдами Марселя Дюшана, стали культовыми. Банки с разными вкусами любимого Уорхолом Кэмпбелла являлись отражением общества потребления в том числе – они, подобно Макдональдсу и Кока коле были доступны каждому, и Энди особенно нравилась идея, что одну и ту же колу пьёт и президент Америки, и рядовой гражданин. Во времена Советского Союза, естественно, никакого общества потребления существовать не могло, но культовые продукты, конечно же, были. Один из них изобразил Дмитрий Шорин. В своей работе «Сгущенка», выполненной в технике холст/масло, он изобразил предмет обожания и желания своего детства – банку дефицитной в то время сгущёнки. Поменяв привычный голубой на розовый, он словно визуализировал выражение «розовая мечта».

В зале «Природа» можно увидеть несколько работ из серии «Вымирающие виды» — Энди Уорхол выбрал 10 животных со всего мира: от африканского слона до амурского тигра и изобразил их в технике поп-арта, словно делая их тоже частью общества потребления. Тем самым он хотел привлечь внимание к проблеме экологии и вымирающих видов животных.

Продолжают эту тему и художники из Recycle Group – они создают горельеф, в котором изображают рядовую сцену из супермаркета. Сюжеты горельефов обычно восходят к войнам, победам, запечатлены часто и важные исторические события. Иными словами, наши предки стремились оставить память о своих достижениях, наследовали их нам. Recycle group здесь с грустью иронизируют, а что же оставим после себя мы, общество потребления? Горы мусора? Развивает эту тему и Владимир Потапов.

Золотой снаружи, но черный внутри – зал под названием «Деньги» не мог не появиться на выставке, посвященной художнику, который любил их больше всего. Энди от начала и до конца своего творчества был и оставался художником прежде всего коммерческим, и вовсе этого не стеснялся: «я хочу быть Бизнесменом искусства, или Бизнес-художником. Успех в бизнесе – самый притягательный вид искусства». Он подписывал деньги и дарил своим друзьям, чтобы те могли их перепродать и заработать, он изображал деньги на своих шелкографиях.

В 1996 году художник Елена Китаева, галерист Марат Гельман и телеведущий Леонид Парфенов, создали проект «Новые Русские Деньги». Основой художественного замысла было размещение на банкнотах не политиков или правителей, а тех, кто в национальном самосознании олицетворяет силу и мощь российского искусства, науки и спорта. На банкнотах появились портреты Гагарина, Пушкина, Толстого, Достоевского, Репина… По словам авторов, они хотели максимально объединить государство и народ, создать купюры, остающиеся актуальными при любом политическом строе. Девизом задуманного стало: «России пора иметь достойные деньги, являющиеся подлинным атрибутом государственности», в основе которой лежит именно многогранная русская культура. Есть в зале и экспонаты с иронией – это, несомненно, работа «Волосы художника, состриженные в благоприятный день по лунному календарю для привлечения денег».

В отдельном зале собраны шелкографии с изображением Мэрилин Монро. Первые портреты голливудской дивы появились в творчестве Уорхола сразу после её смерти, в 1962 году. Для шелкографии Энди использовал коммерческую фотографию актрисы к фильму «Ниагара» 1953 года — именно там Монро впервые появилась в образе сексапильной блондинки, который в дальнейшем стал очень востребован среди продюсеров и принес ей славу и любовь миллионов. Тем не менее Мэрилин не раз говорила о последствиях её славы и растиражированного масс-медиа личного бренда. Уорхол словно подчеркивает отделение образа от личности и превращение его лишь в привлекательную обёртку, продуцируя одно изображение множество раз в ярких, порой кислотных цветах, которые мы часто можем встретить в рекламе. Драма личной и профессиональной жизни Мэрилин оказывается скрыта за идеальной маской ослепительной, но на деле трагически печальной улыбки. Мэрилин для многих была источником вдохновения, в том числе и для Владислава Мамышева-Монро. Образ Мэрилин был его любимым, таким своеобразным альтер-эго, что отразилось и на фамилии художника. Он часто перевоплощался в неё, в том числе и для серии «Жизнь замечательных Монро» 1995 года, используя поп-артистскую стратегию работы с архетипическими образами массовой культуры.

Звёздами работ Уорхола становились и политические деятели – в зал «Мао», который своим архитектурным решением отсылает нас к коммунистическому Китаю, собраны пять шелкографией с изображением председателя КНР, выполненные в различных красках.

Зал «Славы» открывает работа «Десять знаменитых евреев XX века». Число десять отражает моду создавать списки лучших, рейтинги наиболее популярных. В этом плане Уорхол вновь ориентируется на известность персон, поэтому здесь мы видим Франца Кафку, Зигмуда Фрейда, Альберта Эйнштейна и многих других знаменитых евреев. Комар и Меламид иронично отвечают Уорхолу своим топом евреев, только уже плохих: в работе «Десять других евреев ХХ века» художники выбирают личностей с дурной репутацией – Генрих Ягода – один из основателей ГУЛага, Розалия Землячка – «фурия красного террора», Матвей Берман, Нафталий Френкель, Юлия Бристигер, Мейер Лански, Лазарь Каганович и некоторые другие. Поскольку Комар и Меламид жили как в Советском Союзе, так и в Америке, на них повлияли обе культуры, и людей они выбирали, соответственно, и с той, и с этой стороны. Если с Американской стороны это серийный убийца, мафиози и бухгалтер мафии, то с нашей – деятели революции, соответственно и те, и другие связаны с убийствами и кровавыми расправами.

Завершается выставка залом «Смерти». В 1968 году на Энди Уорхола было совершено покушение. К нему на Фабрику приходили разные люди, и одной из посетительниц была Валери Соланас – писательница и радикальная феминистка. Она выстрелила в Энди Уорхола несколько раз, а на следующий день сообщила в отделении полиции: «Я стреляла в Энди Уорхола». Доподлинно неизвестно, что именно спровоцировало Соланас – есть версия, что Уорхол не уделил достаточного внимания её сценарию, феминистика пришла в ярость. «Энди Уорхол слишком сильно влиял на мою жизнь» — сказала Валери полицейским. Уорхол пережил множество операций и должен был носить хирургический корсет всю оставшуюся жизнь, Валери же диагностировали параноидальную шизофрению и приговорили к трём годам заключения. Соланас является автором манифеста «S.C.U.M», но мировую известность ей принесло всё-таки покушение на Энди Уорхола.

Образ смерти часто встречается в работах Уорхола, он сублимирует его через изображение электрических стульев, самоубийств, аварий, похорон и знаменитостей, изображённых посмертно. «В какой-то момент я понял, что всё, что я делаю, имеет некое отношение к смерти».

Лично столкнувшись со смертью, поп-артист приходит к выводу, что смерть и жизнь в равной степени являются «ничем». Его студия продолжала работать как ни в чём не бывало, пока он лежал в больнице. Продолжали проходить вечеринки, печатались шелкографии. Уорхол осознал, что он сумел построить машину, которая способна работать без творца.

«Энди Уорхол превратил жизнь и личность в свой самый масштабный художественный проект. Нашим вдохновением стала методичность художника в построении публичного образа. Путь сквозь лабиринт раскрывает творчество Уорхола с разных сторон, и к финалу внутренний мир Энди предстал без купюр. К самому художнику подобраться было непросто — и на выставке каждый это может сделать.» — Юлия Наполова, архитекторов выставки (из интервью для Interior + Design).

 

Текст: Ангелина Браун